Monter son label ou se faire repérer par un label : quelles options ?

Dans le parcours d’un artiste émergent, une question cruciale surgit rapidement : dois-je créer mon propre label ou tenter de me faire repérer par un label existant ? Dans un contexte où l’autoproduction n’a jamais été autant accessible, les deux voies sont plus que jamais envisageables. Pourtant, chacune implique des choix stratégiques, humains, artistiques, mais aussi économiques.

1. Créer son propre label : liberté totale et autonomie commerciale

Monter son label, c’est bien plus qu’un simple choix artistique : c’est un véritable projet entrepreneurial. Cela permet à l’artiste de maîtriser l’intégralité du processus créatif et commercial : de la direction artistique à la stratégie de distribution, en passant par l’image de marque et la promotion. Cette liberté est précieuse, notamment pour les musiciens qui souhaitent expérimenter ou sortir des formats traditionnels.
Cependant, cette autonomie a un prix. Elle exige de développer de nombreuses compétences transversales, comme la gestion de projet, la communication, l’administration, ou encore les relations presse. Le risque financier repose entièrement sur les épaules de l’artiste, tout comme la responsabilité du succès ou de l’échec de ses sorties.

Exemple : De nombreux DJ/producteurs à succès comme Cézaire (via son label Roche Music) ou Worakls (avec Hungry Music) illustrent bien cette dynamique. En ayant fait le choix de créer leur propre structure pour porter leur identité sonore.

2. Se faire repérer par un label : bénéficier d’un réseau et d’une expertise

Collaborer avec un label peut offrir un tremplin considérable. En rejoignant une structure reconnue, l’artiste s’inscrit dans un écosystème professionnel : distributeurs, attachés de presse, bookers, éditeurs, partenaires médias… Autant d’acteurs difficiles à atteindre seul, mais accessibles grâce à l’intermédiaire du label.
C’est aussi l’occasion de profiter d’un regard extérieur sur sa musique, d’un accompagnement artistique et de moyens techniques parfois hors de portée en autoproduction. Toutefois, cela implique une certaine forme de concession : délais à respecter, direction artistique influencée, répartition des revenus, et signatures de contrats engageants.

Exemple : Feder ou Kungs ont bénéficié d’un fort rayonnement en signant très tôt avec des labels établis comme Warner ou Barclay, qui ont su encadrer leur développement.

3. Coût et investissement personnel : un critère souvent sous-estimé

Créer son propre label s’apparente à créer une entreprise. Cela demande un investissement en temps conséquent : chaque sortie implique de gérer de nombreux aspects techniques, légaux, artistiques et logistiques. Il faut prévoir plusieurs heures par semaine, parfois un temps plein lors des phases de lancement ou de promotion.

À cela s’ajoutent les coûts directs :

• Distribution numérique (DistroKid, Tunecore…) : entre 20 et 100 € par an
• Création graphique et clips : de 100 à 10 000 € selon la qualité souhaitée
• Promotion : de 150 à 2 000 € (publicité, relations presse, influence, etc.)
• Mixage et mastering : 200 à 1 500 € pour un rendu professionnel

À l’inverse, être signé peut alléger ces responsabilités, mais cela suppose de partager ses revenus (souvent à hauteur de 50 % ou plus), de perdre une partie de sa liberté créative, et de s’engager à produire selon un calendrier défini par contrat.

4. Entre-deux : les deals hybrides et les labels-services

Entre le tout-indépendant et le contrat traditionnel, il existe des solutions intermédiaires. De plus en plus d’artistes choisissent des partenariats flexibles avec des structures comme Believe, PlayTwo ou ADA. Ces « labels-services » offrent des prestations de distribution, de marketing et parfois de conseil, tout en laissant à l’artiste la propriété de ses masters. Ce fonctionnement hybride permet de bénéficier d’un soutien professionnel sans renoncer à son indépendance. Certains choisissent aussi de signer un EP ou un single ponctuel avec un label tout en gardant d’autres sorties en autoproduction. Cette modularité séduit particulièrement les artistes électroniques, qui apprécient l’agilité de ce modèle.

5. Comment choisir ? Les bonnes questions à se poser

Avant de trancher, il est essentiel de se poser les bonnes questions. Suis-je prêt à investir du temps chaque semaine dans la gestion d’un label ? Ai-je les ressources financières pour porter mes projets seul ? Est-ce que je préfère garder le contrôle total de ma musique ou je suis ouvert à déléguer pour me concentrer sur la création ?
Il est aussi important d’évaluer son propre niveau de développement : un artiste déjà bien implanté peut tirer profit d’un label pour franchir une nouvelle étape, tandis qu’un jeune talent avec une forte identité peut d’abord se structurer seul avant de négocier un partenariat plus favorable.

Conclusion : Chaque profil artistique à sa stratégie

Il n’existe pas de réponse universelle. Monter son propre label, c’est s’investir dans une aventure artistique et entrepreneuriale à long terme, exigeante mais potentiellement très gratifiante. Signer avec un label, c’est accepter un accompagnement structurant, souvent plus rapide en termes de visibilité, mais aussi plus contraignant. L’essentiel est de choisir une voie cohérente avec ses objectifs, sa personnalité et son environnement.

Vous souhaitez en apprendre davantage sur les stratégies de distribution musicale et optimiser votre carrière ? Rejoignez la formation « Music Business » de DJ Network et accédez à des conseils experts pour propulser votre musique sur la scène internationale !